L’ingénierie audio est l’art de créer et de modifier des sons. L’avènement des logiciels de production musicale et l’essor de la connectivité Internet ces dernières années ont conduit à un nouveau genre de musique appelé rap, qui utilise généralement le traitement audio pour créer une réponse émotionnelle chez les auditeurs. Dans la musique rap, le traitement audio fait référence à la manière dont des sons jusque-là inconnus sont traités et transformés en fréquences audibles au moyen d’un matériel et/ou d’un logiciel de traitement du signal. Les premiers rappeurs imitaient les effets sonores utilisés dans les films, leur permettant de créer l’illusion de profondeur et de réalisme dans leur musique. À cette fin, ils utilisaient généralement des synthétiseurs analogiques qui produisaient des sonorités chaudes et riches. Cependant, à mesure que la technologie progressait, le traitement audio numérique est devenu plus accessible aux rappeurs, élargissant leurs horizons créatifs. Les premiers rappeurs imitaient les effets sonores utilisés dans les films, leur permettant de créer l’illusion de profondeur et de réalisme dans leur musique. À cette fin, ils utilisaient généralement des synthétiseurs analogiques qui produisaient des sonorités chaudes et riches. Cependant, à mesure que la technologie progressait et que le matériel devenait plus abordable, le traitement audio numérique devenait plus accessible aux rappeurs, élargissant leurs horizons créatifs. Par exemple, le morceau phare de 1978 de Grandmaster Flash, « Dynamic Rap », présente une configuration à deux haut-parleurs qui imite la réaction du public d’un concert lorsqu’un interprète demande à « la foule » d’applaudir ou d’applaudir à certains moments de sa chanson (1). En revanche, les premiers groupes de hip-hop tels que Grandmaster Flash & The Furious Five (G Flash & The F-5) ont adopté un style dépouillé avec une instrumentation minimale afin de ne pas nuire à la capacité du rappeur à jouer ses paroles avec le son. effets. En faisant cela – et en s’entraînant à perfectionner leurs chansons grâce à des heures de pratique – les premiers artistes de rap ont pu affiner suffisamment leur art pour qu’il devienne une forme d’art qui est encore pratiquée aujourd’hui. Les premiers rappeurs ont utilisé la loi du carré inverse pour créer l’illusion de profondeur et de réalisme dans leur musique; notamment en raison de son utilisation dans la projection de films 3D où les objets apparaissent plus proches lorsqu’ils sont vus de loin à l’aide de projections 2D (2). Pour obtenir cet effet avec leur musique, les premiers rappeurs commençaient avec une petite piste instrumentale de base composée uniquement de quelques mesures avant de superposer d’autres instrumentaux via un panoramique stéréo (3).
Les homes studio de rap
Cela leur a permis de plus grandes possibilités de créativité puisqu’ils pouvaient inventer de nouvelles mélodies en prenant une idée mélodique et en la répétant plusieurs fois sur différentes couches instrumentales jusqu’à ce qu’ils aient créé une chanson complète (3). En plus d’ajouter de nouvelles couches au-dessus des anciennes, les premiers instruments de rap incorporaient également des changements complexes de signature temporelle qui perturbaient la structure musicale régulière mais ajoutaient de la tension et de l’énergie, améliorant ainsi la réponse émotionnelle ressentie par les récepteurs lorsqu’ils écoutaient des airs de rap old school (4). En plus de créer une réponse émotionnelle par le traitement du son – ou ce que l’on appelle communément le rap – une autre caractéristique du premier rap était sa nature simpliste par rapport à ce que l’on attend des actes musicaux contemporains utilisant des équipements modernes. L’approche multicouche utilisée par la plupart des instruments et appareils permet d’obtenir un son plus réaliste et plus complet pour la musique rap par rapport à d’autres genres qui utilisent des sons essentiellement plats, comme le jazz ou la musique classique. En plus d’améliorer le réalisme – une limitation des premiers rappeurs lors de l’utilisation de synthétiseurs analogiques était la façon dont le matériel déformait certaines notes à des hauteurs plus élevées si elles étaient jouées trop fort au casque ou à des hauteurs graves si elles étaient jouées trop doucement – nuit à cette esthétique ? Dans la mesure où cela limite la créativité d’un artiste puisqu’il doit s’en tenir à certains paramètres s’il veut que sa chanson ait un impact quelconque sur les auditeurs ? C’est pourquoi certains actes contemporains utilisent plutôt des instruments logiciels afin qu’ils puissent augmenter ou diminuer des notes individuelles selon les besoins sans affecter les autres notes qui l’entourent ?
Bien que les ingénieurs du son aient fait des pas en avant lors de la production de rythmes hip hop à l’aide d’équipements modernes tels que des ordinateurs ou des bibliothèques d’échantillons contenant des échantillons multicouches adaptés spécifiquement à la gamme vocale de chaque rappeur – un peu comme les pianistes traditionnels préparent de grandes œuvres pour les solistes – de nombreux éléments ont été pionniers.
Mixer sa musique
Les traitements audio dans l’histoire de la musique metal La musique est beaucoup de choses différentes pour beaucoup de gens différents. Pour certains, c’est la bande sonore de la vie elle-même. Mais malgré toutes ses utilisations variées et profondes, la musique a toujours été une création de la technologie. De l’Antiquité à nos jours, les musiciens ont créé de la musique à l’aide d’instruments, de la parole et de la danse, qui sont également des inventions des premiers humains. Outre les civilisations antiques puissantes qui nous ont légué l’art hiéroglyphique et les pyramides, il existe également une multitude de genres musicaux et de cultures moins connus mis en lumière par les travaux de feu Joseph Campbell sur la nature mythique des histoires. Bien que nous ne comprenions peut-être pas comment les premiers groupes de rock ont acquis leur distorsion de signature ou comment les artistes de musique électronique contemporaine créent leurs rythmes complexes, nous pouvons reconnaître que la musique est une invention basée sur la technologie par rapport à d’autres arts tels que la peinture ou la littérature. Les premiers groupes de métal utilisaient une variété d’effets de distorsion pour créer un son brut et non poli. Les effets sonores bruts que les premiers groupes utilisaient étaient des incarnations rudimentaires de logiciels de traitement audio modernes. À la fin des années 1950 et au début des années 1960, le groupe de rock britannique The Beatles a présenté au monde les perruques à vadrouille et les chaussures à plateforme (surnommées plus tard « le summum de la mode »). Le groupe a également popularisé les coupes de cheveux inspirées des Beatles telles que la touffe (où les cheveux sont coiffés en une boucle vers le haut) ou la frange des Beatles (cheveux courts avec une frange s’étendant du dessus du front jusqu’à une pointe). En revanche, les musiciens de heavy metal américains préféraient les cheveux longs en raison de la représentation emblématique de Marilyn Monroe dans les films avec cette coiffure. Des musiciens comme Alice Cooper ont popularisé les styles de maquillage gothiques que les pop stars d’aujourd’hui envieraient s’ils étaient à son apogée. Alors que certains premiers groupes de métal utilisaient un équipement entièrement fait maison pour créer leurs sons granuleux, les musiciens d’aujourd’hui utilisent des appareils électroniques de pointe tels que des amplificateurs de guitare, des claviers et des boîtes à rythmes simultanément avec des pistes enregistrées via des fichiers audio numériques (DAF).
Une musiquer de meilleurs qualité
Avec les systèmes DAF, les musiciens peuvent enregistrer plusieurs pistes à la fois, créant ainsi un paysage sonore complexe, qui comprend souvent des effets de bruit de fond tels que des bavardages ou des cris de foule. Cette capacité unique de traitement du son donne naissance à ce que l’auteur Paul Morley décrit comme « le râle de la musique analogique ». En revanche, les nouveaux groupes de rock alternatif sont connus pour créer des atmosphères brumeuses rappelant la fumée grâce à des effets de réverbération vintage sur leurs amplificateurs de guitare. En plus de produire des sons durs qui transmettent de la colère ou de l’inquiétude uniquement par le tempo et le timbre, les premiers groupes de métal favorisaient également des fréquences de sortie inhabituelles par rapport aux notes d’échelle régulières afin que les chansons aient un fort effet dramatique sur les auditeurs. Cet effet a été utilisé notamment par le groupe britannique Iron Maiden dont les chansons ont une puissance durable en raison de ses rythmes lents mais martelants couplés à son utilisation non conventionnelle de la dynamique de la guitare basse – un peu comme la respiration de Dark Vador lorsqu’il semble mécontent de l’un de ses sujets dans Star Wars épisode IV : Un nouvel espoir. Plus tard, le groupe de heavy metal Metallica a été le pionnier d’un sous-genre surnommé « thrash metal » en combinant la vitesse avec des pédales de contrebasse qui produisent un son plus agressif que ne le permettent les guitares basses traditionnelles. Grâce à une utilisation prudente de leurs instruments – y compris des amplificateurs de guitare basse – ces artistes de métal classique ont pu créer des paysages sonores agressifs mais sombres qui dominent encore aujourd’hui les fans de musique moderne.
Au fur et à mesure que la technologie a évolué au fil du temps, depuis les temps anciens jusqu’à aujourd’hui, les musiciens populaires ont intégré des outils de traitement AT de pointe dans leur arsenal de production musicale. Alors que les fans de rock grunge peuvent ne pas être d’accord étant donné les voix brutes favorisées par ce genre dans les années 1990, les artistes de rock alternatif incorporent toujours des sons d’instruments déformés authentiques dans leurs chansons en utilisant les systèmes DAF actuels. Quel que soit le genre que l’on aime le plus écouter, on peut dire sans risque de se tromper que la technologie a joué un rôle essentiel dans la formation de nos perceptions de la mélodie et de l’humeur au fil du temps !
